Le cinéma d’animation féminin – 3 réalisatrices qui cassent les codes (Miyazaki, du coup ?)

# Le cinéma d’animation féminin – 3 réalisatrices qui cassent les codes
## Miyazaki, du coup ?

Quand on parle de cinéma d’animation, un nom surgit presque toujours : Hayao Miyazaki. Et c’est mérité : ses films ont bouleversé notre imaginaire, de *Mon voisin Totoro* au *Voyage de Chihiro*. Mais la question mérite d’être posée avec un brin de malice : **et les femmes, dans tout ça ?**

Ont-elles seulement “participé” à l’histoire de l’animation, ou l’ont-elles transformée ? Spoiler : elles l’ont transformée. Parfois dans l’ombre, parfois contre les habitudes des grands studios, souvent avec des moyens minuscules et une audace énorme.

Voici trois réalisatrices qui ont cassé les codes — de la silhouette découpée au blockbuster Pixar, en passant par une animation japonaise plus intime, plus sensible, presque musicale.

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## 1. Lotte Reiniger, la magicienne des ombres

Avant Disney, avant *Blanche-Neige et les Sept Nains*, avant que l’animation ne devienne une industrie mondiale, il y a **Lotte Reiniger**.

Son nom est moins célèbre que celui de Walt Disney, pourtant elle réalise en 1926 **l’un des tout premiers longs métrages d’animation de l’histoire** : *Les Aventures du prince Ahmed*. Oui, 1926. Oui, un long métrage. Oui, réalisé par une femme.

Son secret ? Des silhouettes noires découpées dans du carton, animées image par image. Un travail de patience folle : on déplace légèrement un bras, une jambe, une mèche de cheveux, on photographie, puis on recommence. Des milliers de fois.

Ce qui fascine chez Reiniger, c’est que sa contrainte devient un style. Elle ne cherche pas à imiter le réel : elle invente un monde d’ombres, d’arabesques et de sortilèges. Ses personnages semblent sortir d’un théâtre ancien, quelque part entre le conte oriental, la marionnette et le rêve.

Petite anecdote délicieuse : Lotte Reiniger fabrique elle-même ses figures, avec une précision d’orfèvre. On raconte qu’elle maniait les ciseaux avec une rapidité stupéfiante, comme si elle dessinait directement dans le papier. Chez elle, découper est déjà animer.

Pourquoi casse-t-elle les codes ? Parce qu’elle prouve, très tôt, que l’animation n’est pas seulement une affaire de gags ou de prouesses techniques. C’est un art visuel complet, capable de poésie, de mystère, de sensualité graphique. Elle ouvre une porte que d’autres franchiront bien plus tard.

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## 2. Naoko Yamada, l’animation japonaise à hauteur de silence

Si Miyazaki filme le vent, les machines volantes et les enfants qui traversent des mondes merveilleux, **Naoko Yamada**, elle, filme quelque chose de plus discret : un regard qui se détourne, une main mal à l’aise, une hésitation avant de parler.

Réalisatrice japonaise née en 1984, elle se fait remarquer au sein du studio Kyoto Animation. Son film le plus connu, *A Silent Voice* (*Koe no Katachi*, 2016), aborde des sujets rares dans l’animation grand public : le harcèlement scolaire, le handicap, la culpabilité, le pardon.

Ici, pas besoin de dragon, de château volant ou de sorcière flamboyante. Le spectaculaire est intérieur. Et c’est précisément ce qui rend son cinéma bouleversant.

Naoko Yamada a une manière très particulière de filmer les corps. Elle s’attarde sur les jambes, les chaussures, les doigts, les gestes minuscules. Pourquoi ? Parce que les adolescents ne disent pas toujours ce qu’ils ressentent. Alors le corps parle à leur place.

Dans *Liz et l’Oiseau bleu* (2018), elle pousse cette délicatesse encore plus loin. Deux lycéennes musiciennes vivent une amitié ambiguë, fragile, presque trop grande pour elles. Le film ressemble à une partition : silences, respirations, regards, petites distances entre les personnages.

Ce qu’elle casse ? L’idée que l’animation japonaise serait forcément spectaculaire, épique ou fantastique. Naoko Yamada rappelle que l’animation peut être un art de l’intime. Elle nous demande de regarder autrement : non pas “que va-t-il se passer ?”, mais “qu’est-ce qui se passe à l’intérieur ?”

Et c’est immense.

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## 3. Domee Shi, celle qui fait entrer les émotions à table

Avec **Domee Shi**, on passe chez Pixar, temple mondial de l’animation numérique. Née en Chine, arrivée au Canada enfant, elle devient en 2018 la première femme à réaliser un court métrage chez Pixar : *Bao*. Le film remporte l’Oscar du meilleur court métrage d’animation.

L’histoire ? Une mère chinoise-canadienne prépare un bao, une petite brioche vapeur, qui prend vie comme un bébé. C’est drôle, tendre, un peu étrange… et soudain très profond. En quelques minutes, Domee Shi parle du lien mère-enfant, de l’immigration, du vide laissé par les enfants qui grandissent.

Anecdote savoureuse : pour convaincre les équipes de Pixar de bien animer la nourriture, Domee Shi fait venir sa propre mère pour montrer comment préparer des dumplings. Chez elle, la cuisine n’est pas un décor : c’est une mémoire familiale.

En 2022, elle réalise *Alerte rouge* (*Turning Red*), long métrage explosif sur une adolescente de 13 ans qui se transforme en panda roux géant dès qu’elle est submergée par ses émotions. Autrement dit : la puberté devient une comédie fantastique.

Le film ose parler des règles, de la honte, de la colère, des amitiés adolescentes, des mères envahissantes et des filles qui veulent exister autrement. Tout cela dans un univers coloré, drôle, saturé d’énergie pop des années 2000.

Domee Shi casse les codes parce qu’elle place au centre des expériences longtemps jugées “trop spécifiques” : une famille sino-canadienne, une adolescente turbulente, un rapport au corps féminin rarement montré dans l’animation familiale. Et surprise : plus c’est spécifique, plus c’est universel.

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## Alors, Miyazaki, du coup ?

Miyazaki reste un géant. Mais l’histoire de l’animation ne peut pas se raconter avec un seul nom, ni même avec quelques grands maîtres masculins. Lotte Reiniger, Naoko Yamada et Domee Shi montrent trois chemins possibles : l’invention artisanale, la délicatesse psychologique, l’autobiographie joyeuse.

Elles nous rappellent une chose simple : **l’animation n’est pas un genre pour enfants, c’est un langage**. Un langage qui peut découper des ombres, faire trembler un silence ou transformer une adolescente en panda roux.

Et si le savoir peut être amusant, le cinéma d’animation féminin en est la preuve éclatante : il suffit parfois d’une paire de ciseaux, d’un regard timide ou d’un ravioli vapeur pour changer l’histoire du cinéma.